10 влиятельных женщин в истории искусства

Список десяти влиятельных женщин в истории искусства. Этот список, без определённого порядка, выделяет нескольких чудесных художниц, которые расширяли границы, оказали значительное влияние и сделали огромный вклад в мир искусства.

Мари-Элизабет-Луиза Виже-Лебрен

Рождённая во Франции в Париже, Виже-Лебрен (1755–1842) наиболее известна портретами абсолютно упадочного периода рококо. Она была личным портретным художником Марии-Антуанетты, сделав более 30 портретов королевы (и несколько – её семьи). Личное наследие Виже-Лебрен включает сотни картин, 600 портретов и 200 пейзажей.

Художественное наследие Виже-Лебрен сегодня не просто хранится в памяти. Она, как и большинство женщин в искусстве того времени, была невероятно известна. Когда в начале Французской революции она бежала из Франции вместе с дочерью и путешествовала по Европе, аристократы узнавали и приветствовали её, позволяя ей рисовать в присущем ей стиле. Они добрались до России, где она делала прекрасные портреты королевы Екатерины и её дочерей. 

В какой-то момент Виже-Лебрен вернулась в назад в Париж и воссоединилась со своим мужем. Она пережила свою семью, продолжая рисовать всю жизнь, будучи художником до конца. Я включила Виже-Лебрен в этот список из-за её страсти, стиля и умения добиваться влияния среди людей по всему миру на протяжении всей своей жизни. Её плодотворная карьера вдохновляет. Невероятно интересен и ряд тех, кто заказывал у неё портреты.

Мэри Кэссетт

Возможно, вам знакомы некоторые женщины из этого списка. Мэри Кэссетт (1844–1926), рождённая в Пенсильвании, наиболее известна как импрессионист, рисовавшая женщин, детей и материнство. Если вы введёте в поиск "женщина, рисующая детей", вероятнее всего, вы увидите там работы Мэри Кэссетт.

Кэссетт изучала живопись в Пенсильванской Академии изящных искусств с 15 (по другим источникам – с 16) лет до 21 года, полна решимости построить на этом карьеру. В 1866г. она переехала во Францию, чтобы продолжить своё образование и работу, к большому огорчению своего отца. В то время женщины не могли посещать художественные школы, поэтому вместо этого она брала частные уроки, никогда не отступая от своей цели – карьеры художника. В 1868г. работа Кэссетт "Игрок на мандолине" была избрана для Парижского салона – официальной выставки Академии изящных искусств. Она была первой американкой, работу которой приняли на эту выставку.

К сожалению, ей пришлось покинуть Францию в 1870г., чтобы не пострадать от Франко-Прусской войны. Это нанесло удар по её художественным начинаниям, и из-за недостатка поддержки и вдохновения, а также потому что отец не поддерживал её в выборе карьеры, она начала думать об отказе от своих целей. Но к счастью, архиепископ Питтсбургский поручил ей сделать копии картин мастера Корреджо в Парме в Италии, из-за чего она смогла вернуться в Европу.

В Европе её работы приобрели стиль импрессионизма и она начала дружить с Эдгаром Дега – известным импрессионистом, рисовавшим пастелью. Эта дружба вдохновила её продолжить свой путь, который расцвёл в стиль, которым она была известна: портретный художник женщин и детей.

Конечно, я привожу её историю в сокращённом виде (хотя, возможно, она самая длинная в этом списке), но я хотела выделить её настойчивость в достижении своих целей, то, что она не останавливалась ни перед чем, создавая предметы искусства, и оставила неизгладимый след в мире.                      

Харриет Пауэрс

Харриет Пауэрс (1837–1910) была афро-американской рабыней, которая в XIX веке получила свободу и создавала прекрасные стёганые полотна, рассказывающие истории. Харриет родилась рабыней примерно за 30 лет до Гражданской войны в Америке.

Долго считалось, что её работы, большинство из которых рассказывали Библейские истории, были основаны на услышанных ею историях. Благодаря письму Харриет, найденном в 2009г., нам теперь известно, что она была грамотной женщиной, которая превращала известные истории, которые она сама читала, в живописные шедевры в традиции стёганых полотен.

Работы Харриет были впервые показаны на ярмарке хлопка в конце 1880-х годов, и только годами позже она начала продавать их, когда столкнулась с финансовыми трудностями. Её покупатель, Дженни Смит, записала рассказы Харриет о значении и истории стёганых полотен, позволяя нам больше понять сегодня о запутанных историях, показанных в работах Харриет.

Её стёганые полотна, соединённые вместе, сшитые и украшенные вручную, являются необыкновенными произведениями искусства, созданными с помощью не такого привычного средства, как краска или карандаш. Я считаю, важно поделиться историей Харриет, имея в виду историю её страны и её личный опыт, а также её навыки в фольклорном искусстве. Эти навыки завершают полный цикл, когда сегодня мы можем почувствовать связь с этими произведениями искусства и видим художников, которые продолжают эту традицию.

Джорджия О’Кифф

Сложно представить образность или абстрактные цветы Юго-Запада Америки без картин Джорджии О’Кифф (1887–1986). Эта художница, которая была родом из Висконсина на среднем западе, в начале ХХ века изучала живопись в Чикагском институте искусств – миметическую традицию, в которой искусство имитирует и представляет природу. Она была недовольна своей работой в этом стиле, но, тем не менее, решила продолжить получать карьеру художницы.

После обучения под началом Артура Уэсли Доу, вдохновившего её, она решила отойти от реализма и начала экспериментировать с абстрактным миром вокруг себя. Она известна тем, что была первой американской художницей, которая таким образом вырвалась из реализма, предвещая новый век американского искусства – чистую абстракцию.

В 1916г. один из её друзей показал несколько её работ Альфреду Стиглицу, арт-дилеру и известному фотографу. Он представил её работы в своей галерее "291". Это не только послужило отправной точкой её карьеры художницы, которую мы знаем сегодня, но также послужило началом их отношений и женитьбы.

О’Кифф создавала работы различного спектра, от органических предметов, таких как крупные планы и абстрактные изображения цветов, до техногенных структур, таких как здания Нью-Йорка, где она жила и работала. Интересно, но считается, что большинство её работ с цветами символизируют женские гениталии, хотя сама О’Кифф отвергала такие интерпретации.

В какой-то момент она устала от таких предметов и отправилась в поездку в Нью-Мексико, пейзажи и иконография которой вдохновили её настолько, что она решила туда переехать. Независимо от предмета её работ, их известность никогда не угасала.

Будь то намеренно или нет, но она была законодателем мод, её работы совпали с тенденциями в искусстве (сперва цветы и американский модернизм, а потом пейзажи и сцены региона). В свои 80 лет она рисовала без посторонней помощи, а когда зрение начало подводить её, она вместе с помощниками создавала любимые мотивы по памяти.

Фрида Кало

Фрида Кало (1907–1954) была мексиканской художницей стиля сюрреализма, наиболее известной своими странными автопортретами великолепных расцветок. Ребёнком она перенесла полиомиелит, из- за которого её правая нога была тоньше левой, и всю свою жизнь она прятала её под длинными юбками.

В возрасте 18 лет она попала в автобусную аварию, из-за которой получила несколько серьёзных ран. Большинство из них она вылечила, но её тело страдало от долгосрочных последствий: всю свою жизнь она ощущала эпизодические боли и имела проблемы с репродуктивной функцией, что было частым предметом её художественных работ. Во время аварии она изучала медицину, но забросила её и начала рисовать во время периода выздоровления.

На протяжении жизни Фрида создала более 140 картин, 55 из которых были автопортретами. Её работы были яркими и разноцветными, на них оказала сильное влияние её мексиканская культура. Обычной тематикой её работ было символическое изображение её физических испытаний и психологического состояния. Она говорила: "Я никогда не рисовала свои сны. Я рисовала свою реальность."

В её реальности было буйное, как говорили, замужество с художником Диего Риверой, открыто поддерживавшим коммунизм, и дружба с Пабло Пикассо, Львом Троцким и Марселем Дюшампом. Число её работ росло, показывая её борьбу с ношением поддержки для спины, операциями на позвоночнике и её хронической физической и душевной болью.

Работы Фриды наполнены эмоциями, страстями и часто направлены вовнутрь, намекая миру о её мыслях и душевном состоянии. Согласны вы с ней или нет, она никогда не скрывала своих идей, ни в своих работах, ни в жизни. Она также не скрывала своей борьбы с депрессией и болью. Она перенесла эти мысли и чувства на холст и творчески поделилась всем, что она чувствовала, с миром.

Катерина ван Хемессен

Катерина ван Хемессен была фламандской художницей эпохи ренессанса и жила примерно в 1528– 1587 годах. Она наиболее известна тем, что была первым художником, сделавшим автопортрет за мольбертом. Сегодня автопортрет считается обычным среди художников (и, на самом деле, среди всего человечества), и удивительно подумать, что художники начали изображать себя за работой только в XVI веке.

В отличие других художников в этом списке, ван Хемессен не создала много картин, а её творческий период был коротким. Скорее всего, она училась у своего отца, художника Яна Сандерса ван Хемессена, и изначально рисовала портреты. Обычной темой её работ были богачи в красивых одеждах на тёмном фоне – картины, которые, вероятно, были заказаны её богатыми покровителями.

Считается, что она прекратила рисовать в 1554г., когда вышла замуж. Так часто случалось в то время. Хотя, учитывая то, что она умерла немногим позже, в действительности неизвестно, вернулась ли бы она к рисованию позже.

Я включила её в этот список потому, что она повлияла на многих художников в технике автопортретов и портретов. Не каждый художник рисует до конца жизни, но мне кажется, довольно примечательно то, что она является художницей, положившей начало автопортретам за мольбертом.

Софонисба Ангвиссола

Софонисба Ангвиссола была итальянской художницей эпохи ренессанса, жившей в 1532–1625 годах. Софонисба получила художественное образование, учась с Бернардино Кампи и Бернардино Гатти. На долгое время это создало прецедент для женщин, которые хотели быть принятыми в подмастерья и ученики изобразительного искусства. Её отец поощрял Софонисбу и её сестёр в их художественных начинаниях, вероятно, больше, чем поощряли других женщин в то время.

Это общая черта в этом списке: кажется анахронизмом поощрять женщин в достижении их целей и мечтах о будущем, наполненном творчеством, но это приводит к их большому успеху или, по крайней мере, к такому успеху, которого женщины могли достичь в то время. Для Софонисбы это означало то, что она не могла изучать анатомию и рисунок с натуры наравне с мужчинами (на долгие, долгие годы женщинам не разрешали изучать обнажённое человеческое тело).

Чтобы противостоять этим глупым ограничением, Софонисба рисовала неформальные портреты членов семьи и себя. На одной из её работ, "Лючия, Минерва и Европа Ангвиссола играют в шахматы", изображены её сестры в формальной одежде и с неформальными выражениями лиц. В то время итальянские портреты были чопорными и формальными. Она создавала естественные выражения и ввела идею рисования людей такими, какими они были, а не такими, какими они хотели казаться (идеализированными версиями себя). Кроме того, игра в шахматы была популярной, но обычно из-за используемых в ней логики и стратегии считалась игрой для мальчиков или мужчин. 

К концу 1550-х годов Софонисба была широко известна и даже была приглашена в Испанию королём Филиппом II в качестве художника королевского двора. Она проработала там 14 лет, создавая портреты и служа художественным наставником королеве Елизавете Испанской и её дочерям. Через какое-то время она вышла замуж, жила в Палермо, потеряла мужа, переехала в Геную и снова вышла замуж. Она была главным художником Генуи, пока позднее снова не переехала в Палермо.

Указывается, что её последний автопортрет был написан в 1620г. На закате своей жизни она стала великой покровительницей искусств, будучи больше не в состоянии хорошо видеть и творить из-за катаракты и ухудшавшегося зрения. Софонисба поднялась над ограничениями своего пола в обществе, рисуя до старости, и утверждала себя снова и снова как художественную силу, с которой будут считаться надолго после того, как уйдут многие её современники.

Артемизия Джентилески

Артемизия Джентилески была итальянской художницей эпохи барокко, жившей примерно в 1593–1653 годах. Она считается одной из величайших женщин в искусстве своего времени, которая была сосредоточена на передовых идеях о женщинах, которые в то время не встречали народной поддержки.

Джентилески познакомилась с искусством благодаря своему отцу, художнику Орацио Джентилески, а итальянский художник Караваджо сильно повлиял на неё. Хотя её работы, в отличие от работ её отца, были менее идеализированными и более естественными, за что получили большое признание. 

Известная картина Джентилески "Сюзанна и старцы". История этой работы начинается с Книги Даниэля, рассказывающей о женщине по имени Сюзанна, которую ложно осудила пара жутких старцев. В этой истории Сюзанна не обращает внимания на шантаж, её арестовывают и почти приговаривают к смерти, но Даниэль спасает её, опрашивая старцев и выставляя их лжецами.

Эта работа замечательна тем, что она сосредоточена на эмоциях Сюзанны, выставляя вуайеризм как травматический опыт. В то время немногие художники изображали эту историю таким образом, немногие из них были сосредоточены на опыте женщины.

В 1612г. против Агостино Тасси, у которого училась Артемизия, было заведено дело за её изнасилование. После изнасилования Тасси манипулировал Артемизией, обещая ей замужество, чтобы восстановить понятия их культуры о "добродетели". Дело было широко освещено, как и истинные мотивы Тасси убить Артемизию и украсть картины её отца. Тасси был приговорён всего лишь к одному году заключения и в итоге так и не отбыл его.

Эти события навсегда изменили работы Артемизии Джентилески – её изнасилование, решение суда, недостаток помощи со стороны женщин в её жизни и опыт самого суда. Она сосредоточилась на образе солидарности женщин, сильных женщинах и графических изображениях, которые служили для неё очищением. Считается, что многие её картины сильных женщин изображают саму Артемизию.

Она рисовала всю свою жизнь и была высоко почитаема. Тем не менее, после её смерти её работы часто приписывали её отцу. Но благодаря знатокам искусства, её заслуги и наследие были восстановлены.

Я включила её в этот список не только из-за её влияния и славы и того, что она была изумительно искусным художником, но и из-за того, что она была сосредоточена на сильных женщинах и своём собственном опыте женщины XVII века.

Марианна Норт

Марианна Норт (1830–1890) была биологом и художником-ботаником, которая изначально рисовала во время викторианской эпохи. Марианна путешествовала со своим отцом по всему миру, изучая растения и рисуя всё что угодно. Когда её отец умер в 1870г., она решила продолжать путешествовать по миру в одиночестве, пробираясь сквозь джунгли, засыпая на земле, посещая все доступные ей континенты и накапливая сотни изображений природы. 

Её картины кажутся более яркими, чем их прототипы, что не похоже на работы других художников-ботаников. Её стиль живой и склонен к импрессионизму, что позволило ей быстро заканчивать свои работы и, вероятно, послужило причиной её плодотворности.

Некоторые её рисунки растений и организмов принесли биологии больше ценности и пользы, чем когда бы то ни было. До появления возможности фотографировать её работы служили и служат до сих пор важным источником для изучения природного мира. Различные растения были названы в её честь, включая целый род растений Northia.

Я включила Марианну в этот список не только из-за её навыков и страсти к приключениям, самостоятельных путешествий по всему миру и следования зову своего сердца, но и из-за её вклада в науку и наше понимание природного мира.

Беатрис Поттер

Беатрис Поттер (1866–1943) была невероятно известным натуралистом, защитником природы, иллюстратором и писателем. Возможно, вы читали в детстве её книги, например, сказку о кролике Питере. Она была рождена в Англии в богатой семье и с ранних лет интересовалась природой.

Её ранние работы сосредоточены на микологии и научных иллюстрациях. В это время она изучала различные виды грибов. Многие её рисунки грибов были переданы Армиттскому музею и библиотеке и служат источником для микологов по сей день.

На Беатрис оказали влияние сказки, и она сама начала сочинять истории и делать к ним замечательные рисунки. В 1901г., отчаявшись найти издателя для макета своей книги с историями о кроликах, она сама издала её за собственный счёт. Благодаря помощи друга семьи, её книга, "История о кролике Питере", в 1902г. была напечатана издательством "Frederick Warne & Co".

За 20 лет она написала 23 книги с историями о маленьких животных. Беатрис поступила мудро, когда создала и запатентовала игрушку кролика Питера в 1903г. – первый из многих товаров на основе её книг и иллюстраций. Эта продукция была лицензирована её издателем, принеся дополнительный доход ей и выгоду её издателю. 

Беатрис переехала за город, продолжая писать и делать иллюстрации, и завела овец. Её уважали в обществе, она была первой женщиной, выдвинутой в качестве президента Ассоциации овцеводов Хердвика, но умерла в тот же год, так и не вступив в должность.                                                                         

Заключение

Этот список слишком короткий и неполный, он включает лишь 10 чудесных женщин в искусстве. Существует так много блестящих и интересных женщин, которые создавали разнообразные художественные работы в истории.